Lo que sus ojos vieròn

Henri Cartier-Bresson 

Nació el 22 de agosto de 1908, hace 100 años, con una capacidad inusual para la observación que volcó en la fotografìa hasta tal punto que conocer su obra es sinónimo de conocer una parte de la historia gráfica del siglo XX.

Referirse a Cartier-Bresson es, ante todo, hacer una pausa en su concepto del "instante decisivo", con el que definió el momento exacto en el que se toma la foto, es decir, cuando "se alinea -en palabras suyas- la cabeza, el ojo y el corazón" para conseguir la instantánea, esa que no sería igual una milésima de segundo antes o después de que se hiciese clic.

   Según algunos teóricos, el instante mágico ha muerto

Siempre con su Leica en la mano fotografió China, la India, México, hasta la Segunda Guerra Mundial -donde se creyó que incluso había fallecido- y fundó, junto a otras también leyendas del negativo, en 1947, la primera agencia de fotografía, el club selecto de Magnum.

También retrató a personajes de su época como Picasso, Matisse, Marie Curie, Edith Piaf, Fidel Castro y Ernesto Guevara y fue testigo de importantes acontecimientos del siglo XX como la Guerra Civil española o la muerte de Gandhi.

Sin embargo, si Cartier-Bresson volviese a tomar hoy su cámara tendría serias dificultades para hacer valer su tesis del instante decisivo o se las vería con complicadas normas jurídicas para poder tomar ciertas instantáneas. 

Nuevos tiempos digitales 

Según algunos teóricos, el instante mágico ha muerto. La proliferación de la imagen digital es imparable y más dentro de la línea del fotoperiodismo que propulsó Cartier-Bresson, debido a la gran democratización de la principal herramienta, la cámara.

Esto, a su vez, ha conllevado que el momento decisivo cada vez sea más irrelevante, aunque les pese a los más puristas, ya que lo digital ha desactivado la cautela y la concentración del acto de fotografiar.

El "instante decisivo" ha pasado a ser editado de un vídeo o de la ráfaga de imágenes que toman los fotógrafos profesionales que trabajan con la libertad y la ventaja que otorga la ilimitada capacidad de los sistemas digitales.

Asimismo, si Cartier-Bresson levantase la cabeza tal vez vería que sus fotos no pueden volver a ser tomadas en Occidente, no por falta de medios obviamente ni de fotógrafos, sino por las limitaciones dictadas por la Justicia.

Problemas con la justicia 

Tal vez sus retratos en blanco y negro de personas anónimas no puedan ser captadas ya en Occidente, salvo con un permiso previo del retratado, porque las reglas sociales han cambiado y ello ha llevado a que parte de la fotografía documental que el abanderó sólo sea posible en la actualidad en el Tercer Mundo.

A estos dos aspectos se suma la muerte lenta y silenciosa del proceso fotográfico de la argentea con la que Cartier-Bresson, entre otros, consiguió unas tramas de grises en sus instantáneas que hasta la fecha tan sólo puede llegar a soñar el proceso digital.

Por todo ello, más que nunca conviene rememorar a Henri Cartier-Bresson, en aras de la calidad del acto fotográfico en una sociedad que hipervalora la imagen pero que, a su vez, juega al "todo vale" y que dicta sentencia sobre el derecho a la imagen.

Pedro Meyer es uno de los pioneros y más reconocidos representantes de la fotografía contemporánea. Fue el fundador y presidente del Consejo Mexicano de Fotografía y el organizador de los primeros tres Coloquios Latinoamericanos de Fotografía.  Además de su trabajo artístico y fotográfico, Pedro Meyer ha sido maestro en varias instituciones de prestigio así como también curador, editor, fundador y director del destacado portal web ZoneZero, el cual presenta el trabajo de más de mil fotográfos de todo el mundo, y que cada mes es visitado por más de 200,000 personas.
En 2004 Pedro Meyer se fijó lo que parecía una meta imposible: obtener la primera retrospectiva simultánea en todo el mundo. Este proyecto, titulado “Herejías”, constaba de más de 60 exhibiciones en 17 países alrededor del mundo, una base de datos que contiene el trabajo de su vida entera ( más de 350,000 imágenes y documentos) y un libro con el mismo título. Esta retrospectiva mundial se celebró en octubre de 2008. Para mayor información acerca de este proyecto consulte www.pedromeyer.com. Graciela Iturbide (México, 1942) Fotógrafa mexicana. Comenzó sus estudios en el Centro Universitario de Estudios Cinematográficos, con lo que sus comienzos profesionales tuvieron lugar en el Séptimo Arte. Antes de dedicarse por completo a la fotografía (hacia 1974), fue asistente de Manuel Álvarez Bravo. Sus trabajos pronto se encaminaron a plasmar la realidad de los pueblos indígenas de México, especialmente en todo aquello que rodea a la mujer en sus costumbres cotidianas, dotando a sus fotografías de una atmósfera particular que le acerca al Realismo mágico. Es autora de varios libros, entre los que destacan Los que viven en la arena (1981) y Juchitán de las mujeres (1989). Las exposiciones de su obra han cruzado el Atlántico, en salas como el Museo de Arte Contemporáneo de Madrid o en festivales internacionales, como el celebrado en Arlés en 1979.     http://www.biografiasyvidas.com/biografia/i/iturbide_graciela.htm Zana Briski  (25 de octubre de 1966) Fotògrafa, documentalista y activista polìtica de origen judio. Sus bisabuelos paternos, judíos, huyeron de Polonia durante la II Guerra Mundial. Su madre es una judía iraquí que vive en Israel. Briski, que se intereso por la fotografía a los diez años, ha declarado: "Me siento en casa en todas partes y en ninguna en concreto". Su documental Los Niños del barrio rojo, gano el Oscar al Mejor Documental en 2005. Briski, tras obtener un Master en la Universidad de Cambridge, estudio fotografía documental en el Centro Internacional de Fotografía en Nueva York. En 1995 hizo su primer viaje a India, produciendo un foto-reportaje sobre el infanticidio de niñas. En 1997, Briski regreso a la India y comenzo su proyecto sobre las prostitutas del barrio rojo de Calcuta, que precedio su trabajo con los hijos de las prostitutas. Briski ha recibido numerosos premios y becas de investigación, como la del George Soros´ Open Society Institute, la de la Fundación Alicia Patterson, la de la New York Foundation for the Arts y la Howard Chapnick para el progreso del foto-periodismo. Briski y el co-director de Los Niños del barrio rojo recibieron becas del Sundance Institute, de la Jerome Foundation y del New York State Council on the Arts, por Nacidos en el barrio rojo. Briski es también la fundadora de la organización sin ánimo de lucro, Kids With Cameras.  http://es.wikipedia.org/wiki/Zana_Briski  Francisco Mata Rosas Es un fotografo que vive y trabaja en la Ciudad de México, sus imagenes pueden ser vistas aqui mismo en la Galería de ZoneZero.    Helmut Newton  Helmut Newton nació en Berlín el 31 de octubre de 1920. A los ocho años  su hermano empezó a llevarlo a los peores barrios de Berlín. Viendo prostitutas por todos lados que vestían sensuales ropas, medias, tacones altos… se dice que esto fue parte de lo que lo inspiro a hacer el trabajo que hace. A los doce años compró su primera cámara y según dicen, el primer rollo que reveló salió con una sola foto, pues se fue a tomarlas en el metro, donde no había suficiente luz. Años más tardes decidió viajar por el mundo y convertirse en fotógrafo. Helmut nunca se distinguió por ser buen alumno. En 1936 dejó la escuela y se puso a trabajar de asistente para un fotógrafo de modas,  sin embargo, dos años más tarde, cuando la vida se volvió más peligrosa para los judíos, Newton se vio obligado a dejar Alemania, yéndose a Singapur. Ahí trabajó para un periódico, pero lo despidieron por que sus fotos no eran lo que la prensa quería . Después vivió  en Australia y Londres, pero encontró la respuesta en París “En el momento que llegué a París, supe que tenía que quedarme a vivir ahí. La vida estaba en las calles, en cafés, en restaurantes. Parecía que las mujeres hermosas estaban por todos lados”  http://www.lamerry.bloguen.com/?p=62  http://homepage.mac.com/matiux/PhotoAlbum10.html

LAS PARTES DE LA CÁMARA

 ...y es asì como funciona: 

-OBTURADOR o el botón de disparo siempre va acompañado del dial con las velocidades del tiempo en que estará expuesta la película a la luz. Las velocidades normalmente van de un “1” a “1000” e indican fracciones de segundo (1/x), es decir, 1/250, 1/1000 o 1/2 segundo, por ejemplo, aunque algunas máquinas fotográficas traen tiempos de exposición de 2 seg. o más. Siempre en todo obturador aparecerá una letra “B”.  Al dejar el obturador en esta posición la cámara permanecerá abierta todo el tiempo en que dejemos apretado el botón. Para evitar las vibraciones que puede provocar la mano al apretar el botón, se debe atornillar al obturador un cable disparador, el cual tiene dos opciones: La primera es que al “disparar” el cable, este aprieta y suelta inmediatamente el obturador, por lo que esta posición es muy útil para todas las velocidades de la cámara, menos para la posición “B”. La segunda opción del cable disparador se obtiene girando un sistema de embrague que trae y que generalmente se reconoce porque es un anillo dentado. De esta forma la cámara estará “tomando la foto” todo el tiempo que queramos hasta que soltemos el embrague del cable. Siempre habrá vibraciones, por lo que es muy importante que el mecanismo de la cámara sea suave, aunque siempre se puede usar el viejo y conocido “sistema del sombrero”.

-ANILLO DE ENFOQUE: Permite mover el objetivo hacia delante y hacia atrás para regular la distancia entre el objetivo y la película y así conseguir una imagen enfocada. El anillo viene graduado con números que van generalmente desde un 0,5 (1/2 metro) a infinito.

-BOTON DE ASAJE: debemos colocar en el botón de asaje el ISO de la película que vallamos a usar: 200ASA, 1600ASA, etc. En fotografía normal con luz de día esto de suma importancia, ya que le sirve al fotómetro de la cámara para calcular el diafragma y/o la velocidad de obturación según la cantidad de luz ambiente.

-DIAFRAGMA: El anillo del diafragma de los lentes viene marcado con números que pueden ir desde un 1.4 a un 16, por ejemplo. Estos números indican la relación focal (f) en que está trabajando el conjunto cámara-lente, siendo las relaciones focales pequeñas como f/1.4 más luminosas. Es necesario siempre diafragmar uno o dos pasos para evitar todo tipo de aberraciones ópticas que son inherentes a los lentes, aunque esto conlleve tiempos de exposición muy largos. Existen lentes como los Canon FD 50mm f/1.2L, que son de una gran calidad y no es necesario diafragmar, pero, son de un precio elevadísimo.

-PANTALLA DE ENFOQUE: La mayoría de las cámaras están equipadas con pantallas de enfoque de tono mate, muy útiles para luz de día y objetos luminosos como la Luna y el Sol, pero no para objetos débiles como nebulosas.

Recordemos que la cámara debe ser lo mas mecánica posible y el enfoque no escapa a esto ya que debe ser manual. Al enfocar un objeto como por ejemplo una estrella, se debe hacer a medio camino entre el centro del visor y la orilla de este, por que algunas pantallas de enfoque son ligeramente cóncavas.

-ESPEJO: El espejo de una cámara réflex es lo que se levanta cuando apretamos el obturador, dejando pasar la luz a la película. Esta acción mecánica es muy abrupta y producirá vibraciones que se traducirán en una imagen movida, por lo cual algunas cámaras vienen con un sistema para levantar y fijar el espejo antes que se abra la cortinilla. Esta es una característica importante pero no es indispensable, aunque hay que tener en cuenta que por la reciprocidad de las películas, las vibraciones y movimientos indeseados quedarán impresos con mayor facilidad en los primeros instantes de la toma.

LENTES

La calidad de los lentes es elemental, ya que al exponer durante tiempos prolongados estos empezarán a arrojar una serie de problemas inherentes a la óptica, los que quedarán finalmente plasmados en la imagen. Este defecto se llama “aberración óptica” y el tipo y cantidad de aberraciones que tenga un lente dependerán de su calidad. Generalmente los lentes de la misma marca que las cámaras ofrecen buenas cualidades, aunque, por supuesto, no exentos de problemas.

TIPOS DE LENTES

Los lentes que usaremos en astrofotografía pueden ser:

-NORMALES que van de 40 a 55mm. Los de 50mm ofrecen un campo similar al del ojo humano

-GRAN ANGULARES de 28 a 35mm que abarcan un campo que va de los 60º a los 180º, por lo que son muy usados en fotografía de gran campo

-TELEOBJETIVOS de 135mm a 500mm y más, nos ofrecen un campo de hasta 31º, por lo que usan para fotografías de objetos más definidos. Los teles vienen con la distancia focal fija. Los telescopios se pueden considerar como teleobjetivos de gran distancia focal.

-ZOOM en las que un mismo lente nos da distancias focales intermedias que van desde los 28mm hasta los 200mm o más, pero se debe tener en cuenta que la calidad óptica del zoom es inferior a los de los teleobjetivos. En este último punto es recomendable que las distancias focales del zoom no sean muy extremas la una de la otra (Ej. 35 - 200mm) ya que la calidad será aún menor.

-OJO DE PEZ de 5 a 18mm, tienen un ángulo visual extremadamente grande: 180º y más, por lo que su uso en astrofotografía tiene un aspecto más bien artístico.

 

 

Capturing Essences & Revealing Dreams

Fotografìa en el tiempo.

Viajemos en el tiempo por un momento a una época de gobernantes y súbditos, de campos extensos de ganado y agricultura , de vestimenta majestuosa, época  donde se vislumbra el fin de la Edad Obscura. El siglo X, conocido como obscuro por que hubieron problemas económicos terribles después de la caída de Roma. Se cree que es estos tiempos china apenas comenzaba a usar la polvora.  Es irónico que esta época se conozca como obscura, pues fue en estos años que gracias a la luz nació el comienzo de un largo trayecto de creaciones que hoy nos dan la capacidad de capturar cualquier momento y plasmarlo en papel. Todo comenzó con los árabes que con el fin de visualizar eclipses aprendieron a proyectar imágenes.

En el siglo 10 fue Alhazen, quien trabajó en la ley de reflexión, estudio los espejos esféricos y parabólicos y describió detalladamente el ojo humano. Dicen que es conocido como el primero en enunciar la ley de la reflexión. De acuerdo a la Real Academia Española, “La reflexión es el cambio de dirección de un rayo o una onda qnue ocurre en la superficie de separación entre dos medios, de tal forma que regresa al medio inicial.”

  

En el siglo XVI se inventa la caja obscura, también conocida como la cámara obscura: Es un instrumento óptico que permite obtener una proyección plana de una imagen externa sobre la zona interior de su superficie. Constituyó uno de los dispositivos ancestrales que condujeron al desarrollo de la fotografía

Con este instrumento todo el arte de esta época eran trazos calcados

Por si alguien tiene un momento de ociosidad es de la siguiente manera es como podemos crear una caja obscura:

Materiales 

• Trozo de CD-ROM
• Una caja de zapatos
• Un folio
• Aceite

Procedimiento

·       En una parte de la caja haremos un orificio circular muy pequeñito y quitaremos el otro extremo. En el centro del cartón que hemos quitado, recortaremos un rectángulo y sobre él pegaremos un trocito de folio. Echaremos aceite en el folio, utilizando el dedo, y lo dejaremos secar. Colocaremos esta pantalla en el medio de la caja y al mirar veremos el mundo "al revés".

Dos de los personajes mas importantes de la historia de la Fotografía son Joseph-Nicéphore Niépce, y Louis Daguerre

 

Niépce: Fue un terrateniente francés, químico litógrafo, y científico aficionado que inventó, junto a su hermano, un motor para barcos y, junto a Daguerre, la fotografía.

 

Punto de vista desde la ventana de Gras. 

La primera fotografía creada por Nicéphore Niépce en 1826.

Louis Daguerre pasó a los anales de la historia por inventar el diorama, instalación mediante la cual se daba una sensación de profundidad. Según Wikipedia, “Este invento despertó la atención del público parisino en un espectáculo que consistía en crear la ilusión al espectador de que se encontraba en otro lugar a través de imágenes enormes, que se podían mover y que se combinaban con un juego de luces y sonidos, etc. para que pareciese que el espectador estuviese en situaciones como una batalla, una tempestad, etc. Para que todo esto fuera creíble las pinturas debían ser muy realistas y por esta razón, a Daguerre le interesaba la aplicación del principio de la cámara oscura al Diorama.”

París. Daguerrotipo del Boulevard du Temple, en el año 1838, con una persona en su zona inferior izquierda.

La historia cuenta que Daguerre y Nicéphore, trabajaron juntos pero al morir Nicéphore, Daguerre toma todo el crédito, y es reconocido como el padre de la fotografía.

De forma paralela a los trabajos de Niépce y Daguerre, En 1834,Henrry Folx Talbot tuvo sus primeros resultados de sus investigaciones fotográficas, dice su biografía, que “Al obtener una serie de imágenes de flores, hojas, telas, etc., por contacto de los objetos con la superficie sensibilizada, sin usar por tanto la cámara oscura. Talbot consiguió de esta manera imágenes en negativo que era capaz de fijar para impedir que la luz las hiciese desaparecer. A estas imágenes les otorgó el nombre de dibujos fotogénicos.” Fue el quien en ves de usar laminas por primera vez uso hojas. Talbot es conocido como el padre de los químicos.

Con toda esta nueva tecnología aparecen los “cards to visit.” que eran como un tipo de postal antigua que tardaba eternidades en llegar a su destino.  De acuerdo a The American Museum of photography, las “Carte de Visite  photographs”—que median aproximadamente 2-1/2 por 4 pulgadas—fueron extremadamente populares y circularon por décadas alrededor de todo el mundo. El formato era de estas, tenia un estándar internacional. Por primera vez en la historia se pudieron hacer los álbumes familiares pues fotos de parientes lejanos eran constantemente enviadas. Aparte, a diferencia de el “Daguerrotipo” y el “Ambrotypo” las “Cartes de Visite” podían ser enviadas por correo sin necesitar de empaques especiales o letreros de “frágil.” También como estas eran pequeñas eran baratas y fáciles de enviar. estas se volvieron tan populares que alrededor de 1863, estas cartas eran conocidas como intercambio social. Hoy en día se bromea que si no tienes Factbook, no tienes vida social, pues de igual manera se bromeaba con estas cartes.

Mas adelante surgió un personaje fundamental en la historia de la fotografía su nombre era George Eastman

Eastman fue el fundador de la Eastman Kodak Company  (fundada en 1888) e inventor del rollo de película, que sustituyó a la placa de cristal, con lo cual consiguió poner la fotografía a disposición de las masas. Se dice que era un hombre muy bueno y de gran corazón. Al morir le deja absolutamente todo a sus empleados para que su compañía siguiese funcionando. Kodak es un nombre reconocido mundial mente hasta hoy en día.